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Die 30 Sekunden-Revolution – neue Formate durch Streaming?
Andreas von Analogsoul erzählt, wie der Stellenwert von Streaming ist:
”Wie die meisten anderen Künstler und Labels wollen wir unsere Musik gern auf möglichst vielen Plattformen zu niedrigen Schwellen verfügbar machen, damit Leute damit in Kontakt kommen können. Streaming als Verbreitungsweg hat ein paar Facetten, die uns gut gefallen und zusagen: Neben der unmittelbaren Verfügbarkeit und der Tatsache, dass Spotify tatsächlich weltweit genutzt wird, sind das z.B. auch Playlisten. Mit dem Erlösmodell können wir natürlich nicht zufrieden sein, erst recht wenn man sich anschaut, wie groß der Unterschied zwischen Majors und Indies an der Stelle ist. Darüber haben wir ja auch mehrfach gebloggt.“
Ist Streaming mittlerweile für euch wichtiger als Download-Verkäufe – oder eine nette Ergänzung?
”Wirtschaftlich gesehen ist es eine nette Ergänzung. Aber Streaming ist oft der erste Kontakt eines Hörers zu unserer Musik, was aber nicht automatisch eine fette Umwegrendite generiert.“
Wie ist der geschätzte Streaming-Anteil gegenüber Downloads, CDs und Vinyl?
”Von der Menge der Abrufe her ist Streaming unsere größte Kontaktfläche. Vom wirtschaftlichen Ertrag her machen die physischen Tonträger und digitale Donwloads aber den absoluten Großteil unserer Einnahmen aus. Es kommt aber schon vor, dass ein Track, der es in eine wichtige Playlist geschafft hat, mal 100 Euro in einem Monat über Streaming erlöst.“
Auch Markus von Riotvan sieht das Streaming durch die Playlists als gutes Promo-Tool. Wobei ”es schon ziemlich krass ist, wenn man sieht, dass man bei einem Album mit 10.000 Streams am Ende vielleicht 20 bis 30 € rausbekommt.“ Teilweise käme man aber auch auf dieselbe Summe wie bei Digital-Verkäufen über Beatport. Für Markus ist das Genre entscheidend: Mit Pop sei über Streaming-Plattformen mehr zu erreichen als mit House-Künstlern wie Panthera Krause – auch wenn es sich dort ebenfalls seit ein bis zwei Jahren steigert.
Bei O*RS sind Streaming und Downloads auf einer Augenhöhe und so bemerkbar, dass es ”ein wichtiger Bestandteil zum eher gleichbleibenden Vinyl-Verkauf“ geworden ist. Die Verschiebung ist also spürbar. Aber hat das Streaming als Vertriebsweg bereits solch eine Relevanz, dass es einen künstlerischen Einfluss ausüben könnte?
Bisher brachte jedes Medium und Format bestimmte Vorgaben mit sich, die auch Einfluss auf das Songwriting hatten. Beim Vinyl sind es zwei Seiten mit, je nach Vinyl-Format, unterschiedlich begrenzten Spielzeiten – maximal 23 Minuten pro Seite. Die CD bietet da etwas mehr Spielraum. Das klassische Pop-Radio wiederum fordert kurze, dreiminütige Songs, um gespielt zu werden. In der elektronischen Musik geben DJs sowie die Konventionen von Clubnächten die Track-Strukturen maßgeblich vor, indem Mixparts und Breaks eingebaut werden. Kann auch das Streaming so weit in Song- und Trackstrukturen eingreifen?
Durchaus: Denn obwohl technisch und physisch beim Streaming keine Beschränkungen bestehen, gibt es einen wirtschaftlich interessanten Aspekt: Spotify zahlt pro Stück ab 30 abgespielten Sekunden. Der US-amerikanische Songwriter und Musikprofessor Mike Errico thematisierte dies in einem überaus spannenden Artikel und stellte die These auf, dass Musikstücke zukünftig nur noch 30 Sekunden lang sein werden. Rein wirtschaftlich gesehen kann nämlich ein Album mit vielen kurzen Songs mehr erlösen als eines mit wenigen langen Stücken. Und da professionell agierende Musiker neben künstlerischen Beweggründen auch ihre Einnahmequellen im Blick haben, sind Erricos Gedanken auf dem ersten Blick gar nicht so abwegig.
Einige Bands spielten bereits mit dieser 30 Sekunden-Schwelle. Die englische Indie-Band The Pocket Gods brachte ein Album mit 100 30-sekündigen Songs heraus. Vulfpeck stellten 31 kurze Songs mit Stille online, die in Endlosschleife gespielt werden sollten. Damit verbunden war jedoch eher der Protest gegenüber den mageren Streaming-Ausschüttungen. Die Frage, welche künstlerischen Auswirkungen die wirtschaftlich relevante Spotify-Vorgabe haben kann, wurde nicht diskutiert. Gibt es jetzt nur noch die Refrains? Oder nur die besten Parts eines House-Loops? All der arrangierte Ballast fliegt raus, um einfach auf den Punkt zu kommen bzw. nur die Filetstücke eines Songs zu veröffentlichen? Wir wollten es von einem Musiker wissen, der sowohl im Pop zu Hause ist, aber auch mit experimentelleren Formen arbeitet.
Sind für dich spezielle Beschränkungen oder Freiheiten eines Tonträgerformates generell relevant beim Produzieren, Arpen?
”Ja, ganz klassisch. Die Länge einer Seite beim Vinyl zum Beispiel. Ich finde aber Beschränkungen generell interessant – man wird gezwungen umzudenken und sich künstlerisch auch zu einer bestimmten Situation zu positionieren.“
Beim Streaming verdient man eher durch viele kurze Stücke – wäre das ein Impuls für dich anders zu produzieren?
”Nein. Ich verdiene sehr gern Geld mit meiner Musik, aber ich beziehe in mein eigenes Schreiben nicht das Verhältnis zwischen der Track-Länge und dem möglichen Verdienst ein. Bei konkreten Aufträgen ist das etwas anders.“
Ist die Kürze eines von Spotify anerkannten Songs eine Chance zum Veröffentlichen für gelungene Skizzen oder Loops, die sonst nur unnötig in die Länge gezogen werden würden?
”Möglicherweise. Ja, für Loops könnte das interessant sein. Aber wer hört sich ein 45 Sekunden-Loop an und findet das irgendwie befriedigend? Ich denke das wäre dann für Musiker interessant bzw. auch für MCs. Dann müsste man aber auch damit arbeiten können – bzw. sollte es ein Mix-Tool geben, mit dem man mit diesen Loops live auflegen könnte – das fände ich irgendwie hot.“
Arpens Antwort zeigt auf, dass Erricos These den Hörer außen vor lässt. Die Hörgewohnheiten müssten sich fundamental verändern, um kurze Snippets als befriedigendes Musikerlebnis annehmen zu können. Und besonders in der Clubmusik erzeugen erst der langsame Aufbau und die Länge der Tracks und Sets ihre hypnotischen Wirkungen. Unberücksichtigt scheinen auch die künstlerischen Ambitionen der Musiker: Neben den Sounds geht es immer auch um Dramaturgien – und die benötigen einen gewissen Entfaltungsspielraum. Ob sich den Musiker in so drastischer Weise verkleinern lassen, ist mehr als fraglich. Hinzu kommt, dass die Musikwirtschaft trotz der hohen Wachstumsraten des Streamings auch in naher Zukunft ihre Musik auf verschiedenen Tonträgerformaten anbieten dürfte. Und hier würde die 30-Sekunden-Beschränkung von Spotify mit der 46 Minuten-Option des Vinyls kollidieren. Oder zu komplett unterschiedlichen Varianten eines Albums oder einer EP führen, was schwer vorstellbar ist.
Wie hoch schätzt Andreas von Analogsoul die Chance ein, dass sich durch Streaming alte Formate wie Song-Strukturen, EP- und Alben-Zyklen wirklich verändern werden: ”Der Song als solcher wird sich vermutlich nicht weit verändern, Strukturen wie Alben werden sich aber zusehends auflösen oder zumindest stark verändern. Ich denke, dass ähnlich wie im Hip Hop oder im elektronischen Bereich viele Interludes, Skits, Intros oder andere Fragmente Teil von Alben werden.“
Wie es klingen könnte, wenn sich Musiker und Labels komplett dem Spotify-Vergütungsstandard hingeben, hat Analogsoul mit der Compilation ”#31s“ ausgelotet. Musiker aus dem direkten Label-Umfeld sowie dem erweiterten Umfeld wurden um 31-sekündige Songs und Tracks gebeten, um herauszufinden, was dies künstlerisch hervorbringt. Die 31 Stücke öffnen stilistisch ein weites Feld zwischen Pop, HipHop, House, Electronica und Post-Rock.
Der Umgang mit der Beschränkung ist indes sehr unterschiedlich. Einige Musiker bringen eine eigenständige, ultrakompakte Komposition hervor. Bei anderen klingt es nach dem Ausschnitt von etwas Größerem – die Stücke enden abrupt, wie abgeschnitten. Irgendwo wird ein Break angekündigt und am Höhepunkt runtergefahren. An anderer Stelle ist nur eine kurze eingesungene Strophe zu hören. Es bleiben 31 Fragmente, Outtakes oder Jingles.
”#31s“ zeigt einerseits, wie viel künstlerische Substanz in solch kurze Zeit passt. Andererseits fühlt es sich am Ende immer wie das unbefriedigende Durchskippen einer Compilation-Tracklist in einem Download-Shop an, bei dem nur Snippets vorgehört werden können. Aus wirtschaftlicher Sicht jedoch ist ”#31s“ das optimalste Produkt für Musiker und Label – es wurde nicht mehr Dramaturgie und Länge hineingesteckt als notwendig, um bei Spotify entlohnt zu werden. Um diese Diskrepanz ging es den Analogsoul-Betreibern. Darum, dass ”in 31 Sekunden zu wenig Zeit bleibt, um einen Gedanken wirklich auszuformulieren. Wir würden gern für mehr als 31 Sekunden bezahlt werden“, heißt es im begleitenden Projekttext. Angesichts der künftig zu erwartenden Verschiebungen bei den Marktanteilen von physischen und digitalen Tonträgern ein durchaus berechtigter Einwand.
Veröffentlicht wurde ”#31s“ übrigens konsequenterweise als Spotify-only-Release.
Analogsoul Website #31s Micro-Site Mehr zu Analogsoul bei frohfroh↧
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Gegenkrach! – Lärmkunst und Clubkultur
Wie kam die Idee für die Reihe?
Ich habe mich mit dem IfZ getroffen und ein paar Ideen lanciert. Eine davon war, einmal daran anzusetzen, was sich für historische Fluchtlinien von elektronischer Clubkultur aufstellen lassen könnten. Jetzt ist dieser Dreischritt daraus geworden. Zusammen mit dem Kulturraum e.V. und dem IfZ haben wir vor einem Jahr eine Konzeption entwickelt und geschaut, wie es auch zum Ort passt. Das finde ich beim IfZ auch interessant, dass es diese Offenheit zur Bildenden Kunst gibt und dass man dies gern weitertreiben möchte.
Der Titel ruft zwar etwas plakativ eine Gegnerschaft aus. Aber beim Futurismus ging es auch noch um ein Entgegensetzen. Da wurde sich gegen die Übermacht der Vergangenheit in Italien aufgestellt. Aus Sicht der Futuristen war Italien ein riesiges Museum, das in seiner Vergangenheit feststeckt und dem man mit einer großen Ohrfeige die Moderne in die Ohren schlagen muss. Unsere Reihe setzt da auch an, mit dem Manifest ”Die Kunst der Geräusche“ von Luigi Russolo aus dem Jahr 1913.
Der Futurismus war die Keimzelle des kunstvollen Lärms?
Ja, in gewisser Weise. Es war zumindest die Ausrufung. Es gab natürlich noch weitere Künstler. Aber es lag wohl in der Luft, andere Klanglandschaften einzuspeisen, die neue Geräusche der Umgebung widerspiegelten. Parallel verlief die Suche nach der Atonalität bei Schönberg und danach mischt Dada die Avantgarde auf – auch ein Aufruf zum totalen Umbruch und offensiven Nonsens.
In die Zeit fällt auch Jazz, der für den klassisch europäisch geschulten Kulturmenschen auch erstmal eine Lärmattacke war. Nach dem ersten Weltkrieg vollzog dann unter anderem in der Sowjetunion die Entwicklung der elektronischen Musik mit ersten handlichen elektronischen Instrumenten entscheidende Fortschritte. In den frühen 1920ern wurde dort auch in sehr radikaler Form der Lärmkunstgedanke aufgegriffen. Da gab es Konzertaufführungen für Fabriksirenen.
Krach in dem Sinne hat schon etwas mit Innovation, Befreien und Aufbrechen von Strukturen zu tun?
Ja, durchaus. Im Bewusstsein der möglichen Ambivalenzen muss aber hinzugefügt werden, dass es auch den regressiven Krach gibt. Krach, der affirmativ an Gewalt appelliert und eine Verkörperung eines Klangsozialdarwinismus ist. Das ist ja eine Diskussion, die man auch anhand von schnöder Rockmusik führen kann. Natürlich ist auch nicht zu vernachlässigen, wie die Dinge manipulativ eingesetzt werden können, im Sinne von Propaganda. Es sind ja Wirkungsmechanismen, die erstmal funktionieren. Gebündelter Krach, zum Ornament geformt ist dann ganz schnell Pathos. Und Pathos ist schnell auch Kitsch, aber auch ein funktionierender Aufwühlmoment.
Gibt es so etwas wie eine Evolution des Krachs?
Es gibt vielleicht eine Ausdifferenzierung. Es gibt heute die extremen Möglichkeiten der digitalen Produktion, die sämtliche sonischen Ausdrucksmittel abrufbar gemacht haben. Russolo hat noch mühselig riesige Apparaturen gebaut, um verschiedene Formen von Krach erzeugen zu können. Er hat sogar Krachfamilien entworfen, Schnarren, Pfeifen, Quietschen, etc. Dann gibt es natürlich den real existierenden Umgebungskrach, der eingespeist wird. Das hat der Futurismus vorher schon eingefordert, beispielsweise mit der Lautpoesie. Da gab es im Futurismus teilweise eine Nachbildung des realen, modernen Krachs der Maschinen, die einen damals plötzlich im Alltag umgeben haben.
Neu war, das überhaupt ästhetisch wahrzunehmen. Nicht als Störelement und als reinen Krach, sondern als etwas, das man ästhetisch vielleicht erstmal nur wahrnehmen, später aber auch goutieren und als Material benutzen kann. Später konnte man die Dinge auch speichern, wodurch sich das gespeicherte Material auch wieder eingespeist werden konnte – das entwickelt sich immer weiter. Es gab ja eine lange Phase, in der mit Manipulationen von Magnetbändern gearbeitet wurde, Loops zerschneiden, Dinge zerlegen und neu zusammenzusetzen. Da ist mit der Digitalisierung nun alles möglich. Alles ist zudem seither auch schon da und permanent abrufbar.
Kann es auch eine Neubewertung von Krach geben? Etwas was ursprünglich als Krach empfunden wurde, wird irgendwann als ästhetisch wahrgenommen? Beim Techno kann das ja so gesehen werden, aber gibt noch andere Beispiele?
In der neuen E-Musik gibt es das, die Gewöhnung an Atonalität und Dissonanz, egal ob mit klassischem Instrumentarium oder mit Zuspielband erzeugt. Das ist generell aber etwas, über das man dann sicher mit Dimitri Hegemann gut sprechen kann. Zumindest kann man sagen: Gut, die Dinge haben ihre Schockwirkung, aber diese Wirkung schlägt auch bald um in eine Art Gewöhnungsrezeptionshaltung und dann muss es irgendwie noch weiter gehen. Zum Beispiel in der Bemühung, die Dinge immer weiter aufzulösen.
Das lässt sich auch in anderen Bereichen wie Black Metal hören. Am Ende geht es da auch fast bis zu einer monochromatischen Auflösung in der Soundwolke und dann ist der Bogen schnell zu einer Band wie Sunn O))) geschlagen, die auch auf Minimal Music und moderne ernste Musik zurückgreift. Da kommen die Dinge plötzlich zusammen und dann spielt so eine Band eben auch im Berghain.
20.10.2016 / Der Kampf um den Lärm – zur Ästhetik der Geräuschmusik
Am ersten Abend wird Dr. Johannes Ullmaier, Mitbegründer und Mitherausgeber der testcard-Reihe einen einleitenden Vortrag halten, der exemplarisch einige Stationen zwischen Luigi Russolos Manifest ”L’Arte dei Rumori“ – ”Die Kunst der Geräusche“ –, Musique Concrete bis hin zu Industrial als wichtigem Impulsgeber für Techno anreißen wird.
Im Anschluss wird der Dokumentarfilm ”Industrial Soundtrack For The Urban Decay“ gezeigt, der in mehreren Artist-Interviews die Entstehung von Industrial nachzeichnet.
25.11.2016 / Kassettentäter Ost/West
Östlich und westlich der innerdeutschen Grenze existierten eigene Szenen, die sich von Punk und Post inspiriert selbst verwirklichten und in Eigenvertrieb Kassetten herausbrachten. Mit Felix Kubin aus Hamburg und Jan Kummer vom weirden Avantgarde-Kollektiv AG Geige aus Chemnitz erzählen zwei Szene-Protagonisten aus ihrer Zeit in den 1980er Jahren.
Danach gibt es ein Live-Set von Karl Marx Stadt, der tatsächlich dort geboren wurde und zufällig ein Schaufensterkonzert von AG Geige erlebte. Am 25.11. wird er alte Original-Aufnahmen mit seinen analogen Synthesizern remixen – teilweise wird sogar Jan Kummer daneben stehen und alte AG Geige-Texte vortragen. Etwas, das so schnell wahrscheinlich nicht wieder passieren wird. Logisch, dass es an dem Abend auch die limitierte AG Geige-Box geben wird. Anschließend mixen Pehlemann und Kubin gemeinsam den Ost-West-Underground zusammen.
16.12.2016 / Atonal | Funktional
Im letzten Teil der Reihe wird Dimitri Hegemann aus seinem Leben auf der Tangente (West-)Berlin und Detroit erzählen. Der Begründer des Tresor-Clubs und Atonal-Festivals hat wie kaum ein anderer Akteur den Übergang zwischen Industrial, Post Punk und Wave hin zu Techno mitgeprägt. Heute versucht er in Detroit und in der Provinz des Berliner Umlands neue Strukturen aufzubauen.
Passenderweise spielt an diesem Abend auch Basic Channel-Hero Moritz von Oswald ein DJ-Set. Eine osteuropäische Konzept-Kunst-Legende sind Autopsia, die sich im serbischen Novi Sad 1980 gründeten und heute in Prag leben. Im Mittelpunkt steht die Auseinandersetzung mit dem Tod, musikalisch bewegen sie sich zwischen ”Industrial, Neoclassical-Ambient und dystopischen Dub“.
Darüber hinaus wird es an diesem letzten Abend mit ”Full Zero“ eine audiovisuelle Live-Performance des Dresdner Künstlers Ulf Langheinrich geben. Minimal Sound und hypnotische Bassstrukturen in 4.1-Surround werden mit extrem nahen Kamera der chinesischen Performerin Luo Yuebing verknüpft.
Gegenkrach Website
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Zu Besuch in Leipzig: Workshop & Konzert mit Kondi Band
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Five Favs – Oktober 2016
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Talk Talk – Wie man ein Label dicht macht – Schubert
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10 yrs Audio Invasion – Interview
Was war euch wichtig beim Kuratieren der Jubiläumsausgabe?
Die Herangehensweise ist Jahr für Jahr gleich und orientiert sich am Startmoment, dem ”Großen Concert“, wobei die dramaturgische Umsetzung von Jahr zu Jahr unterschiedlich sein kann. Ziel ist es, KünstlerInnen einzuladen, die Teil einer Musikgeschichte sind und was zu erzählen haben.
Die Jubiläumsausgabe in diesem Jahr kann zum einen mit Brandt Brauer Frick oder Bonaparte – ein Mitglied des Projektes Mule&Man – als eine Art ”Best-Of“ gewertet werden. Zum anderen handelt es sich bei John Talabot und den Junior Boys um Acts, die in den letzten zehn Jahren immer wieder eine große Rolle gespielt haben und fast jedes Jahr in Anfrage waren aber erst 2016 bestätigt werden konnten.
Wichtig sind aber auch persönliche Helden wie Alexis Taylor von Hot Chip, der ein sehr intimes musikalisches Porträt am Flügel im Großen Saal abliefern wird. Acts wie Danny Daze, Juicy Gay, Avalon Emerson oder lokale KünstlerInnen geben jedoch die Richtung für die nächsten Jahre vor.
Die Audio Invasion soll jüngeres Publikum für das Gewandhaus begeistern – ist das aus eurer Sicht auch über das jährliche Event hinaus gelungen?
Ob wir den Anteil an jüngerem Publikum durch zehn erfolgreiche Veranstaltungen erhöhen konnten, wagen wir zu bezweifeln bzw. wird dies auch gar nicht durch Umfragen erhoben. Da gibt es so ein Missverständnis was dieses Format in den acht Stunden, einmal im Jahr, erfüllen soll und kann. Vorrangiges Ziel, zu Beginn vor zehn Jahren, war erst einmal unabhängig von ”verordneten“ Schülerkonzerten jungen Menschen den Zutritt zum Haus auch inhaltlich zu ermöglichen und Hürden abzubauen.
Grundsätzlich muss man sich immer wieder vor Augen führen, dass das Gewandhaus eine Institution ist, die sich der klassischen und der ”neuen“ Musik verschrieben hat. Das ist deren Auftrag und funktioniert mit Blick auf die Auslastung scheinbar sehr gut. Trotzdem, und das ist unsere ganz persönliche Meinung, geht da eindeutig mehr und einiges auch anders.
Da ist zum einen der Kulturort, der sich inhaltlich in Richtung freier Szene öffnen muss aber auch der ”Dampfer“ Gewandhaus, der schwerfällig und eingefahren von Saison zu Saison schippert. Will man die jüngeren Generationen abseits des bisherigen Abo-Publikums für das Haus und das Programm begeistern, muss sicherlich noch eine Menge passieren.
Erlebt man jedoch die Gäste, wie sie auf der Audio Invasion mit Standing Ovations das Gewandhaus-Orchester ehrlich und laut hofieren oder den hohen Anteil an jungen Menschen zu Konzerten im Rosental, beweist dies zumindest von Publikumsseite Neugier, Offenheit und den Willen für mehr.
Wie ist eigentlich das Feedback innerhalb des Gewandhauses? Wird das Event von den Orchestermusikern und Mitarbeitern als musikalische Ergänzung und Bereicherung wahrgenommen?
Das muss in einem so großen Apparat wie dem Gewandhaus differenziert betrachtet werden. Da gibt es diejenigen, denen das egal ist, sicherlich auch einige, die unsere Arbeit immer noch mit Skepsis betrachten. Aber es gibt eben auch viele, die sich nicht nur aus einer Notwendigkeit heraus engagieren sondern auch wildeste Ideen innerhalb des Hauses durchboxen und uns damit den Rücken stärken.
Genauso verhält es sich mit den MusikerInnen. Gerade viele junge Angehörige des Gewandhaus-Orchesters unterscheiden für sich nicht mehr zwischen U- und E-Musik. Sie sind ebenso wie das Publikum durch elektronische Musik geprägt, produzieren sogar zum Teil oder tanzen an freien Wochenenden in den Clubs der Stadt.
Vor zwei Jahren haben sich Kassem Mosse und Mix Mup öffentlich über das männlich dominierte Line-up beschwert – gibt es mittlerweile eine größere Sensibilität für das Thema?
Zu dem Thema gäbe es eine Menge zu sagen, wir machen es kurz. Wir hatten damals, vier Tage vor der Veranstaltung, weder die Möglichkeit für eine Klarstellung noch stand uns die Plattform dafür zur Verfügung. Ehrlich gesagt waren wir alle ziemlich betroffen, regelrecht gelähmt da unserer Meinung die Audio Invasion für ein Problem herhalten musste, welches vorrangig in den männlich-dominierten Roster der Agenturen begründet liegt.
Gleichzeit waren die Frauen, die hinter den Kulissen arbeiten wegen der Vorwürfe extrem frustriert, zählt deren Input für die Veranstaltung weniger? Warum greift der Kreuzer das Thema auf und zeigt mit dem Finger auf uns und auf der nächsten Doppelseite findet man die Plattenrezensionen, die ebenfalls männlich dominiert sind?
Kurz ja wir sind sensibilisiert und ja wir haben FKA Twigs angefragt – leider oder besser super unbezahlbar, aber das ist nochmal ein anderes Thema.
Was waren eure persönlichen Highlights der letzten Jahre?
Es ist immer das Ereignis an sich, was uns bewegt. Es ist die Farbigkeit des Hauses in dieser Nacht, dieses Generations,- und Musikübergreifende auf der Fläche. Auf einen Künstler über die Jahre bezogen war dies sicherlich persönlich der Auftritt von Sebastien Tellier, mit dem ich mir (Markus) auch einen eigenen Wunsch erfüllt habe.
Für Karen waren es wiederum die Versatile Noise Troopers, die 2013 zum ersten Mal den großen Saal bei der Audio Invasion abseits vom klassischem Konzert bespielt haben – damit wurde das Haus erstmals konsequent geöffnet und die AI damit noch einen Tick spannender für die Gäste.
Audio Invasion Website
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Advent Advent – R.A.N.D. Muzik
Wahrscheinlich werden wir jetzt wieder mit lauter virtuellen Adventskalendern überschwemmt. Über den von R.A.N.D. Muzik freue ich mich aber sehr.
Adventskalender sind zu einem gern genutzten Marketingtool geworden. Jeden Tag Klicks und so. Das wird auch R.A.N.D. Muzik verinnerlicht haben, doch wenn dabei neue Tracks von Leuten wie Lowtec, LXC und Rising Sun sowie Vinyl-Verlosungen herauskommen, kann ich das nur begrüßen.
Gleich das erste Türchen, besser gesagt der erste Drehknopf des virtuellen Geräts (wofür ist das eigentlich?), ist entspannt-dubbiger, tief gehender Track von Senate. Die nächsten 24 Tage werden großartig.
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In eigener Sache – Neu Neu
Wir hatten Lust auf ein neues Design. Also haben wir uns im Sommer hingesetzt, Dinge hinterfragt und alles noch minimalistischer gestaltet. Jetzt ist alles neu. Eines war besonders wichtig.
In den vergangenen Jahren hat sich unser Medienkonsum enorm verändert. Mit einem ordentlichen Shift hin zur mobilen Nutzung. Wir wollten, dass auch frohfroh endlich auf Smartphones gut zu lesen ist. Mit dem responsiven Design und der Serifenschrift sollte dies nun weitaus angenehmer klappen. Das war eigentlich auch schon für das vorherige Design geplant, aber leider ist es damals nicht zu Ende programmiert worden. Und es drei Jahre später mit ”veraltetem“ Design nachzuholen, erschien uns auch wenig befriedigend. Also Relaunch.
Es ist ein optischer Relaunch, neue Schriften, neue Grundfarbe. Strukturell bleibt alles wie gehabt, nur unsere neue Talk Talk-Podcast-Reihe hat eine eigene Kategorie erhalten.
Und nicht wundern: Das Logo und Menü-Icon sind in der mobilen Version nicht aus Versehen nach unten gerutscht. Es ist als Entspannung für den Daumen gedacht. Gegen das Strecken über die ganze Diagonale des Touchscreens. Wir hoffen, es gefällt euch. Ein großer Dank geht an Stefan und Alexander von Frohe Zukunft Export für das Webdesign und die Programmierung. Ohne sie wäre hier alles schwarz.
In dieser Woche kommt übrigens noch etwas neues – wir sind sehr aufgeregt.
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Selbst mit Field Recordings anfangen
In unserer ersten ”Close to …“-Folge geht es ja um Musik aus Field Recordings. Für alle, die es das selbst ausprobieren wollen, gibt unser Tonmann André hier ein paar Tipps zum richtigen Einstieg.
Ihr habt schon öfter von Field Recordings gehört und hegt Interesse, eigene Geräusche für eure Produktionen aufzunehmen? Egal ob für Musik, Hörspiele oder Filme, die Aufnahme von Umgebungsgeräuschen, Tier- und Natursounds ist eine spannende Erweiterung des akustischen Horizonts und bringt eigenen Aufnahmen auf ein extrem individuelles Level, das komplett losgelöst ist von Konservensounds.
Für den Einstieg in das Thema, sind hier die wichtigsten Fakten zusammengetragen. Dieses Fragen solltet ihr euch vor dem Kauf stellen:
1. Ist das Field Recording als Hobby gedacht, oder soll es später professionell ausgebaut werden?
2. Was sind die gewünschten Aufnahmeziele?
3. Was ist die gewünschte Aufnahmequalität?
4. Wie hoch ist das Budget?
Der Anfang ist bekanntlich der schwierigste Teil. Ich empfehle jedem, der noch nie Sounds aufgenommen hat, dieses zuerst mit einem Handheld-Recorder auszuprobieren. Nichts wäre unnützer als sich teures Equipment zu kaufen und dann nach zwei Monaten zu merken, dass es einem keinen Spaß macht. Zudem bekommt man zum Anfang auch erst mal ein gutes Gefühl, wie man mit Naturklängen umgeht und diese am besten isoliert einfangen kann.
In der Anfangszeit bilden sich auch persönliche Präferenzklänge heraus, die man seinen späteren Equipment-Einkäufen anpassen kann. Stellt euch nur vor, wie großartig ihr auf einmal Wasserklänge findet, doch dann besitzt ihr ein teures Mikrofon, das nicht für Unterwasseraufnahmen geeignet ist. Viel lieber hättet ihr euch für das Geld ein Hydrophone gekauft.
Im Laufe der Zeit wird man merken, dass man um einen portablen Recorder nicht herumkommt, da man diesen immer dabei haben kann und damit auch ordentliche Ergebnisse erzielen kann. Aktuell gibt es zudem mehrere Anbieter, die sehr gute Stereo-Aufsteckmikrofone für Smartphones im Katalog haben. Diese besitzen die Möglichkeit mit 24Bit und 96kHz in professioneller Qualität aufzunehmen.
Absolute Pflicht beim Kauf eines portablen Recorders ist es, einen extra Windschutz zu kaufen.
Zwar werden eigentlich alle Geräte mit einem Schaumstoff-Windschutz geliefert, jedoch ist dieser bei Außenaufnahmen nicht zu empfehlen. Hier sollte man lieber auf ein professionelles Windschutzfell zurückgreifen.
Hat man die Möglichkeit auf AB-Vergleiche, sollte man diese nutzen und umsetzen. Der Windschutzvergleich ist ein schöner Anfang in einer langen Reihe von Versuchen und Fehlschlägen. Man sollte sich jedoch nie von Fehlern aufhalten oder unterkriegen lassen, sondern als nächsten Schritt die Fehleranalyse und die Problemlösung angehen.
Beim Recorder-Kauf sollte man sich bewusst sein, in welchen Bereichen er vorrangig eingesetzt wird. Werden lediglich die eingebauten Mikrofone gebraucht oder möchte man später auch externe anschließen? Besitzt der Mikrofonanschluss eine Phantomspeisung für Kondensatormikrofone? Was sind die Formate, die der Recorder ausgibt und welche benötige ich? Wie sollte die Auflösung der Dateien sein? Wo und wofür wird das Material verwendet? Wie groß und schwer sollte der Recorder höchstens sein, damit er mich nicht stört, wenn ich ihn bei mir führe?
Nach Beantwortung all dieser Fragen sollte man den Recorder vor dem Kauf unbedingt testen. Heutzutage ist das nicht mehr unbedingt ein Problem. Entweder hat man einen Laden in seiner Näher der portable Field Recorder anbietet und zum Testen zur Verfügung stellt oder man bestellt ihn sich im Internet und nimmt die zweiwöchige Rücksendezeit in Anspruch. Hierbei lassen sich alle Ansprüche und Wünsche testen und schauen, wie man mit dem Gerät zurecht kommt.
Wenn man nun Spaß und Freude am Field Recording findet und seine Technik ausbauen möchte, sollte man wohl zuerst in ein paar gute Mikrofone investieren. Es gibt allgemein zwei Mikrofontypen, die selten fehlen dürfen. Zum einen ist das ein ordentliches Kondensator-Richtmikrofon, das zum Einfangen von Einzelgeräuschen geeignet ist.
Zum anderen kommt ein gutes Stereo-Kondensator-Mikrofon hinzu, mit dem man Atmo-Aufnahmen einfängt. In beiden Kategorien sind die Preisspannen sehr groß und man muss beim Kauf auf eine Menge kleiner Details achten. Dies wird an dieser Stelle zu komplex. Was ich euch hier aber als unbedingten Tipp nahelegen möchte, ist, die Mikros vor dem Kauf anzuhören.
Am Ende ist es egal, ob das Mikrofon 400 oder 1400 Euro gekostet hat, wenn die Ergebnisse überzeugen.
Vor dem Kauf sollte man unbedingt den Gebrauchtmarkt beobachten, denn Mikrofone verlieren nach dem Kauf schnell an Wert und so sind oft gute Mikros auch second hand zu finden.
Auch bei externen Mikrofonen ist der Windschutz unumgänglich. Die Mikros sind sehr empfindlich und stark anfällig für Trittschall, Körperschall und den einfallenden Wind. Daher werden externe Mikrofone beim Field Recording nicht nur mit einem Fell zum Windschutz versehen, sondern in eine komplette Vorrichtung namens Windschutzkorb eingelassen.
Ein Windschutzkorb besitzt mehrere Vorteile: Zuerst ist das Mikrofon stoßsicher aufgehängt und Griffgeräusche durch die Hand oder Trittgeräusche beim Laufen bilden keine akustischen Probleme bei der Aufnahme. Zudem halten Windkörbe starken Wind am effektivsten ab. Bei leichtem Wind reicht die umspannte Membran des Korbs selbst für eine störfreie Aufnahme. Bei stärkerem Wind wird ein zusätzliches Fell über den Korb gezogen.
Ein Windschutzkorbsystem schützt eure Aufnahmen mit externen Mikrofonen dementsprechend am besten. Für schwierig zu erreichende Stellen kann auch eine Tonangel von nutzen sein, wie man sie aus Filmproduktionen kennt. Diese erlaubt einen geringeren Abstand zu den Geräuschquellen, die manchmal nicht erreichbar sind oder durch die körperliche Nähe beispielsweise ein Tier verschrecken würden.
Inhaltlich ist das Thema Field Recording sehr komplex und wird vor allem durch das Ausprobieren erschlossen. Die Technik ist wie so oft nur ein Werkzeug, mit dem man umgehen können sollte. Viel Spaß also bei euren Weihnachtseinkäufen und den ersten Aufnahmen in den schönen Wintermonaten.
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Auf einem App-Trip
Ok, die große Hear-App-Welle ging schon in diesem Frühjahr durchs Netz, doch sie passt einfach perfekt zu unserem aktuellen ”Close to …“-Film.
Mittlerweile darf sich die App nicht mehr Hear nennen, irgendwer hat den Begriff schützen lassen. Im Appstore ist sie daher nur noch als ”App formely known as H**r“ zu finden. Der Effekt bleibt aber natürlich erhalten. In verschiedenen Modi, die jeweils auch noch in der Intensität angepasst werden können, filtert diese App aktuelle Umgebungsgeräusche und verfremdet sie in eine eigene Soundatmosphäre.
Das kann entspannend oder aufwühlend sein. In jedem Fall ist es extrem trippy.
Und es gibt der unmittelbaren Umwelt mit den Delays, Verschiebungen und Verzerrungen eine äußerst surreale Anmutung. Wenn alles ruhig, passiert natürlich nicht viel. Es braucht also eine gewisse Dynamik. Die kann aber auch schon durch das Tippen aufs Smartphone entstehen bzw. selbst gesteuert werden. Doch draußen auf der Straße gibt es das volle Programm und jeder macht seine eigene Field Recordings-Tracks.
Was ich nicht verstehe: Eigentlich soll die App eine vorwiegend entspannende Wirkung erzielen – egal ob im Zug oder beim Arbeiten. Doch in allen Modi ist so viel dichte, ätherische und strange einwirkende Soundmaterie, das ich eher darauf fokussiert bin. Vielleicht braucht es aber noch längere Hear-Phasen, um richtig tief abtauchen zu können.
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Close to … Musik aus Field Recordings
Im Artikel zum Relaunch hatten wir noch eine weitere Neuigkeit angekündigt. Heute ist es soweit: Unser erster frohfroh-Film ist fertig. Premiere!
Zugegeben, es hat etwas länger gedauert, als wir uns das vorgestellt haben. Themen wurden gesucht und angegangen, manche davon sind tatsächlich am Entstehen, andere wurden wieder verworfen oder abgesagt. Zum Schluss war es der Anspruch, Relaunch und Start der Filmreihe zu verbinden, der einiges an Zeit gekostet hat – und plötzlich war das Jahr fast herum.
Doch: Wir sind dran und motiviert, mit bewegten Bildern neue Facetten der Leipziger Elektronik-Szene zu beleuchten, näher an bisher weniger fokussierte Akteure zu rücken. Close to, eben.
Für die erste Folge wollten wir wissen, wie Musik aus Field Recordings entsteht.
Mit Stefkovic van Interesse hat sich in den letzten Jahren ein sehr spannender Musiker in diesem Bereich einen Namen gemacht. Im Frühjahr begleitete ihn das Relativ Kollektiv bei Aufnahmen zum Programm ”Maschinenhören“, das vom Kunstverein gegenwart e.V. kuratiert wurde. Dabei entstanden nicht nur extrem beeindruckende Bilder aus einer leer stehenden Industriehalle, in der Stefkoviv van Interesse nach interessanten Sounds sucht. Es gibt ebenso gute Einblicke in die Arbeit mit Field Recordings. Hier ist es:
Es gibt übrigens noch zwei ergänzende Artikel zum Thema Field Recordings: Eine praktische Einführung in Equipment-Anforderungen und einen trippigen App-Tipp.
An dieser Stelle noch einmal ein großes Danke an die 320 Menschen, die uns vor einem Jahr finanziell unterstützt haben, damit wir die ”Close to …“-Reihe tatsächlich realisieren können. Besonders seien hier die LiveKomm Leipzig, Robert Seidel und Franziska Hoppe von Spannkraft erwähnt.
Aber eben auch: Steffen Friedrich, Arian Micheel, Falk Wacker, Robert Handrow, Clemens Ruh, Hans Wilde, Marcel Aue, Leandro Olvech, Stefan Streck, Frederik Sander, Henry Franke, Götz Fabian, Max Öyvind Wiesner, Georg Bigalke, Jan-Philipp Sacher, Stanley Baldauf, Walter Freund, Jan Stern, Stefanie Wittrisch, Thomas Pätz, Ronny Turich, Ronny Turich, Benedikt von Hearthis.at, Thomas Goldacker, Ronny Gerber, Rouven Faust, Andreas Stephan, Paul Reimann, Friederike Bernhardt, Gerit Hofmann, Thomas Scholz, Saskia Lina Steszewski, Christoph Linke, Sascha Philipp, Ernst-Moritz Mitzscherling, Constantin Rein, Matteo Koch, Richard Laqua, Tino Michalak, Jonathan Skorupa, Stefanie Höfer, Stefan Schubarth, Jana Fischer, Alexander Gaudl, Chris Schreiber, Tim Woytczak, Steffen Thieme, Falko Haak, Sebastian Wolter, Ines Steinmetzger, Mathias Dragon, Elias Bouldjediane, Christian Kaspar, Stefan Schaible, Julian Baur, Tom Gärtig, Micha Hübel, Anne Zischka, Vincent Neumann, Martin Berthold, Florian Seidel, Christian Lowcut, Tina Gleichmann, André Knappe, Henrik Fischer, Annett Grundke, Christoph Schirmer, Matthias Speck, Sebastian Richter, Adem Zor, Til von Liftboi, Andy Rimkute, Katharina Groll, Anne Haupt, Fabian Russ, Martin Rieger, Rose Records, Julian Walther, Nicholas Mockridge, Sebastian Mendel, Manuel Emmelmann, Marcus Dahms, Aaron Vargas Rüger, Tim Krause, Marcus Engert, Ray Kajioka, Julius Koch, Jens Otto, Philipp Klein, Mathias Ache, Dominic Sattler, Thomas Jurk, Sebastian Vogt, Martina Müller, Steffen Woyth, Herr Noland, Sophia Wagner, Juliane Streich, Zacharias Bähring, Christian Simchen, Astrid Tuchen, Thomas Grabsch, Martin Ränker, Oliver Walter, Thomas Neumann, Oliver Krause, Stephanie Wilfert, Mario Linke, Fabelwesen Berlin, Udo Kaufhold, Benjamin Dohmann, Johannes Amm, Sebastian Ganze, Karin Scherpe, Conrad Kaden, Nicole Brachvogel, Daniel Gläser, Anna Hübner, Florian Sturm, Markus Krasselt, Laura Eisfeld, David Uhlitzsch, Philipp Dietzsch, Lorenz Wolff, Rene Pölzing, Susann Redlich, Christian Pohle, Lars Kosubek, Robert Willi Hornig, Christof Stricker, Philipp Romeike, Stefanie Knabe, Yvonne Strüwing,
Geri Hofmann, Marc Silva, Mandy Engel, David Herrmann, Ilja Iwlew, Tim Hartlep, Matthias Wolf, Claudia Heldt, Christiane Kornhaß, Helene Thiem, Michael Politz, Stefan Schneider, Christian Zoch, Sophie Esders, Sophie Esders, Klausi Nicolausi, Martin Günther, Martin Günther, Stephan Riebe, Anne Peuker, Christoph Funke, Dustin Krah, Tino Friedenstein, Stefanie Schweiger,
Stefan Winter, Arved Clute-Simon, Dirk Ehrlich, Steve Nadzeika, Anne-Katrin Liebmann, Thomas Rümmler, Christian Bender, Mechi Plum, Marko Knaack, Roman Tittmann, Sascha Uhlig, Ilka Richter, Rocco Berndt, Ronny Vogel, Monique Salzmann, Nicolas Kölmel, Michael Wallies, Sandra Hader, Thomas Jurk, Christoph Krämer, Johannes Beck, Willi Thomas, Charlott Bodenschatz, Sebastian Riehm, Sebastian Fischer, Lars Schlüter, Nils Neubauer, Sara Recknagel, Jakob Wulfert, Christoph Mengel, Patrick Kozma, Nici Palm, Maria Ruhe, Julia Dencker, David Auer, Alina Kiesow, Karsten Weyh, Sebastian Sickel, Matthias Zich, Benedikt Fitzke, Peter Kaatzsch, Wiebke Menzel, Thomas Reiche, Jörg Krüger, Hr. Schmirler, Jonathan Schwarze, Daniel Döhler, Aniko Bartfai, Matthias Groß und Natalie Noack. Sowie all die anonymen Unterstützer/-innen.
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Sunday Groove – frohfroh-Edition
Letzten Sonntag durfte ich beim ”Sunday Groove“ auf Radio Blau das Wochenende musikalisch ausklingen lassen. Hier der Mitschnitt der frohfroh-Edition.
Eigentlich sollte es nur um entspannte elektronische Musik gehen, doch irgendwie wollte ich es dann doch an thematischen Rahmen von frohfroh knüpfen. Und so gab es eine Stunde lang Musik aus Leipzig oder veröffentlicht von lokalen Labels. Danke sehr an Anja für die Einladung, es hat viel Spaß gemacht.
Hier der Mitschnitt:
Und hier die Tracklist:
DJ bwin ”Cash Out“ (First Second Label)
Steppin‘ Wolf ”Try It (Drei)“ (Mana-All-Nite)
Mod.Civil ”Aphex Dreams“
Kator ”Connor“ (Defrostatica)
Timoka ”Sundowner“ (Holger Records)
Lake People ”They’re Singing“ (Permanent Vacation)
Throwing Shade ”Mystic Places“ (Ominira)
Things From The Basement ”View From The Window“ (Kann Records)
Robyrt Hecht ”A Gust Of Phosphor“
Crooks + Lovers ”Close“ (O*RS)
Perm ”Untitled“ (Shtum)
Mix Mup ”Bungalow“ (Hinge Finger)
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Afterhour #1 Liebe, Techno, Leipzig – Kurt Cocain
Neues Jahr, neue Kolumne – wir freuen uns auf Antoinette Blumes Afterhour-Begegnungen mit interessanten Leuten des Leipziger Nachtlebens. Los geht es mit Kurt Cocain.
Jacke, Schlüssel, Kekskrümel in fimschig-kleinen Tütchen vergraben, (wieder) ausgraben. Denn: Irgendwie sind wir noch nicht fertig. Ein bisschen geht noch. Ein bisschen Ausklang braucht es noch. Stiller, langsamer, wer geht wo hin, ”aftern“? Kann ich mitkommen?
Bei tausendundeiner Zigarette, Bier, Kaffee oder Wasser wird das Tanzen im Club vom Zuhören und Reden verdrängt, man sinniert über das Sein oder Nicht-Sein der Nacht, Nachtmenschen und Musik. Berauscht sich noch ein letztes Mal, oder auch nicht, oder auch doch, findet die Hand eines anderen. Mancher möchte vielleicht den Punkt sportliche Ertüchtigung mit evolutionserprobten Bewegungsabläufen einvernehmlich als Partnermodul belegen, ein anderer möchte reden, das Licht meiden, sich verausgaben oder vergraben.
Bei der ein oder anderen Afterhour kann man so die ein oder andere nette, interessante, exzeptionelle Gestalt aus Leipzigs Nachtleben antreffen. Beispielsweise Kurt Cocain.
| Steckbrief | |
| Musik oder Rausch? | Musik und Rausch |
| Clubnest? | Wolke (emeritiert), Conne Island |
| Lieblingsdroge? | Marihuana |
Bisschen ADHS, Kokain und Jena
Eisbrecherfrage: Hast du Kokain dabei? Ein 1a-Kennenlern-Spruch. Hut ab. So war es bei Kurt und mir glücklicherweise nicht. Meine Äuglein trafen sich regelmäßig mit ihm, so ca. drei Monate, jedes Wochenende, bis wir es eines IfZ-Abends doch über uns brachten, zu fragen, wer der andere sei und warum er immer dort auftauche, wo man selbst gerade vorhatte kurz bis lang unterzutauchen. So war das also.
Kurt Cocain ist DJ, Mitglied der Electric Island Crew, macht Visuals, bringt auch mal den Müll im Conne Island raus und studiert so nebenher Producing und Management. Der Herr mit dem Wortspiel im Namen legt erst seit einem Jahr vor Publikum auf und ist doch schon im Nachtleben Leipzigs angekommen. Podcast hier, Westwerktresen da, damals (aka die-vor-Leipzig-Zeit) auch mal DJ-Workshops im Kassablanca in der früheren Heimat Jena (erst genossen, dann) gegeben.
Die unendlichen Kombinationsmöglichkeiten der elektronisch produzierten Musik ließe für ihn die meiste Kreativität zu – die hyper(aktiv)-kreative Ader verbietet zwar das große Treiben tagsüber, aber Nachtaktive bevorzugen nun mal künstliche oder bestenfalls ausgeschaltete, sparsame Lichtquellen. Ein Nachtmensch eben.
Disko zum Entspannen
Nachts und vorzugsweise am Wochenende stellt sich die belebende Euphorie durch (fremde oder eigene) Musik ein, die Wahlfamilie findet zueinander – Rausch und Musik sind hierbei fast untrennbar geworden. Was uns da neben der elektronischen Musik so durch den Kopf spaziert, ist individuell so unterschiedlich wie das nüchterne Musikerleben. Potenziert und unendlich, am Ende natürlich geschmacklich differenziert.
Wobei man als DJ ausgewählt(er) und (vielleicht?) ohne die lieb-naive Begeisterungsfähigkeit und den unbefleckten Genuss des dankbaren Publikums feiert.
Man zersetzt die Musik, sieht die Fehler im (Kon)Text, feiert anders.
Nicht unbedingt besser oder schlechter, schlicht anders. Wir schnacken noch so über dies und das und jenes, kommen vom einen ins andere, können zwar keine Antwort darauf finden, wann es Zeit ist zu gehen, aber es braucht auch nicht auf alles eine Antwort.
Schnaps schließt den Kopf
Wer mich kennt, weiss, dass ich nichts mehr liebe als Geschenke. Ein non-materielles Geschenk darf ich noch feierlichst mit euch (ergo denen, die bis zum Ende gelesen haben, ha!) teilen: Einen Mix von Kurt Cocain, extra für frohfroh.
Großen Dank an Henry W. Laurisch für das Porträt-Foto sowie an Manuel Schmieder für das Artwork der Reihe.
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